Казахская национальная консерватория имени Курмангазы со дня основания всегда была одним из важнейших центров науки о музыкальном искусстве в Казахстане. В центре внимания исследователей — педагогов и студентов — актуальные проблемы теории и истории музыки, музыкального исполнительства, педагогики и психологии, арт-менеджмента. Наш сайт призван освещать все важнейшие события не только в научной деятельности старейшего музыкального вуза Казахстана, но и в искусствознании республики в целом.
Республиканское государственное учреждение «Казахская национальная консерватория имени Курмангазы».
Резонансное пение в традиционной культуре казахов: объективный анализ на примере певцов аркинской традиции
Статья посвящена исследованию резонансного пения в традиционной культуре казахов на материале аркинской певческой традиции. Объектом исследования является вокальное искусство казахских традиционных певцов, предметом – акустические характеристики резонансной техники и особенности формирования певческого тембра в аркинской школе пения. Объективное изучение традиционных вокальных практик, которые до настоящего времени преимущественно описывались средствами исторического, этнографического и музыковедческого анализа, позволяет обосновать целый ряд субъективных предположений относительно профессиональной подготовки аркинских певцов. Несмотря на значительный корпус исследований казахской песенной культуры, особенности голосообразования и резонансной техники до сих пор практически не изучались с применением современных методов акустического анализа. Исследование выполнено на основе компьютерного анализа звукозаписей представителей аркинской традиции – Амре Кашаубаева и Ерлана Рыскали. Использованы методы спектрального анализа вокального сигнала, изучения сонограмм и оценки параметров высокой певческой форманты (ВПФ), разработанные в рамках компьютерной этномузыкологии и акустических исследований певческого голоса. Полученные данные сопоставлены с положениями резонансной теории пения В. П. Морозова и существующими представлениями о вокальной технике bel canto. В результате исследования установлено, что для аркинской певческой традиции характерно активное использование резонансных механизмов голосообразования и наличие выраженной высокой певческой форманты, обеспечивающей звонкость и полетность звука. Выявлено сходство ряда акустических параметров аркинского пения с техникой bel canto при сохранении специфических особенностей, выражающихся в смещении области высокой певческой форманты в более высокочастотную зону спектра и особом распределении энергии обертонов. Анализ исторической записи Амре Кашаубаева позволил получить объективные данные о выдающихся акустических качествах его голоса и подтвердить свидетельства современников о его исключительном исполнительском мастерстве. Теоретическая значимость исследования заключается в расширении представлений о механизмах традиционного казахского вокального искусства и возможностях применения методов объективного акустического анализа в этномузыкологии. Практическая значимость работы связана с перспективами использования полученных результатов в исследованиях региональных певческих школ, в сохранении и передаче нематериального культурного наследия, а также в вокальной педагогике и реконструкции исполнительских традиций прошлого. .
Copyright (c) 2026 Saryn https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/
Институциональные практики и музыкальная преемственность: ансамбль Agbe и лидерство Эрика Одарквея Мортона
В статье рассматривается роль мастера-барабанщика Эрика Одарквея Мортона в сохранении музыкальных традиций табом через его руководство ансамблем Agbe в Аккре (Гана). Сообщество табом, происходящее от афробразильских репатриантов, переселившихся в Гану в XIX веке, сохраняет самобытное музыкальное наследие, характеризующееся исполнениями Agbe, включающими игру на барабанах, пение и танец. Настоящее исследование смещает акцент с трансатлантического культурного значения выступлений Мортона, отмеченного в предыдущих работах, в частности у Díaz (2020), на внутреннюю организацию ансамбля Agbe и институциональные механизмы, обеспечивающие сохранение его музыкальных традиций. В статье анализируются творческий путь Мортона, его педагогические методы и ритмические инновации на основе этнографического исследования, включающего полуструктурированные интервью, включенное наблюдение и контент-анализ записанных выступлений. Результаты показывают, что музыкальные традиции табом сохраняются благодаря формализованной системе ученичества, корректирующим практикам, основанным на репетиционном процессе и регулирующим способы исполнения ритмов, а также контролируемым инновациям в рамках устоявшихся ритмических структур Agbe. Исследование демонстрирует, что традиционные музыкальные системы сохраняются не только через дискурс символического наследия, но прежде всего через деятельность ансамблей и практику исполнения. Статья вносит вклад в этномузыкологические дискуссии о сохранении традиционных музыкальных систем в современных условиях, подчеркивая значение институциональных музыкальных практик для обеспечения преемственности и адаптации.
Интерпретация историко-бытового танца в современном кросс-культурном пространстве Казахстана
В статье рассматривается историко-бытовой танец как уникальный феномен танцевальной культуры, отражающий трансформацию форм социального взаимодействия, норм телесного поведения и эстетических идеалов в европейской и постсоветской культурной традиции, а также анализируются современные интерпретации историко-бытового танца начала XXI века в условиях культурного пространства Казахстана. Цель исследования – искусствоведческий анализ интерпретации историко-бытового танца в современном казахстанском обществе в контексте кросс-культурного взаимодействия бальной традиции и национальной культуры. Методологическую основу работы составляют историко-культурный и искусствоведческий анализ, сравнительно-сопоставительный метод, а также междисциплинарный подход, позволяющий рассматривать танец как художественную форму, связанную с социальным этикетом, пространством исполнения и телесной коммуникацией. В статье последовательно анализируются ключевые этапы становления бального и бытового танца в Европе, их адаптация в советский период и современные формы развития в казахстанском обществе. В результате исследования выявлено, что историко-бытовой танец сохраняет свою художественную и социокультурную значимость, трансформируясь в соответствии с изменением общественного контекста. Современные бальные мероприятия в Казахстане – выпускные, военные, медицинские и городские балы – выступают формами актуализации бальной традиции, а концептуальные практики начала XXI века, включая форматы бытового танца, свидетельствуют о переосмыслении бытового движения как объекта художественной рефлексии. Сегодня историко-бытовой танец представляет собой непрерывный общественно-культурный процесс, где органично сочетаются традиции и новации. Практическая значимость научной работы заключается в возможности применения ее результатов для дальнейших искусствоведческих исследований танцевальной культуры, а также для анализа современных форм репрезентации историко-национального танцевального наследия.
Агонистика в музыкально-соревновательных традициях: казахский и европейский контексты
В статье рассматриваются исторические корни традиций музыкально-поэтического состязания в казахской и европейской культурах и их роль в современном обществе. Цель исследования – выявить структурные, музыкальные и перформативные механизмы агонистических принципов в практиках музыкального состязания и сопоставить их репрезентации в казахском и европейском культурных контекстах. В данном ракурсе айтыс рассматривается как репрезентативная модель музыкальной агонистики в казахской культуре. Для анализа айтыса были комплексно применены методы этномузыкологического анализа (выявление ладовых, ритмических и интонационных особенностей), систематизация жанровых характеристик, культурологический анализ (определение символической роли в обществе). Кроме того, на основе этномузыкальных подходов и структурно-фразового сравнения были исследованы ладовые, ритмические и интонационные структуры айтыса и других импровизационных моделей. Показано, что айтыс обладает агонистической структурой, основанной на исполнительском мастерстве, синтезе текста и музыки, а также диалоге с аудиторией. В европейских традициях элементы соревновательности в основном сохраняются в историко-фольклорном контексте. Айтыс, адаптируясь к современным форматам, включая медиа и международные площадки, сохраняет свою значимость как культурный код. Айтыс является феноменом, отражающим агонистическую память казахской культуры, укрепляющим профессиональное мастерство исполнителей и национальную идентичность. Данное исследование предлагает новую теоретическую основу для применения айтыса в кросс-культурной коммуникации и образовательной практике.
Исполнительская интерпретация эстрадных произведений Кенеса Дуйсекеева: от записи до YouTube-рецепции
Музыкальное наследие выдающегося казахстанского композитора Кенеса Дуйсекеева занимает значимое место в национальной культуре. Будучи академическим композитором, он в своем творчестве обращается к жанрам массовой культуры. Эстрадная музыка стала той площадкой, где композитор смог выразить современную эпоху и отразить в своих композициях национальные традиции. Настоящая статья, продолжая линию исследований, посвященных исполнительской интерпретации и цифровой рецепции музыки, фокусируется на судьбе одной из самых известных песен композитора – «Сәлем саған, туған ел». Для комплексного изучения феномена долгой культурной жизни произведения в работе были поставлены задачи, требующие совмещения музыковедческого подхода и методов цифровых гуманитарных исследований. С одной стороны, проведен сравнительный анализ ключевых исполнительских трактовок, представленных Розой Рымбаевой, группой KeshYou и Маржан Арапбаевой, с фокусом на их вокальные стратегии, аранжировочные решения и музыкальную композицию. С другой – систематизированы и интерпретированы количественные и качественные данные платформы YouTube (статистика просмотров, лайков, комментариев), позволяющие проследить динамику популярности и характер аудиторного восприятия песни в цифровой среде. Проведенный анализ подтвердил устойчивость позиции произведения в репертуаре, одновременно выявив значительную трансформацию его звучания в современных версиях. Если интерпретация Р. Рымбаевой сохраняет декламационную и кантиленную основу песни, то каверы KeshYou и М. Арапбаевой демонстрируют смещение в сторону динамичной, ритмически острой подачи, что отражает изменение эстетических ожиданий аудитории новой эпохи. Несмотря на то что объектом изучения выступает единичное произведение, избранная песня служит репрезентативным кейсом, демонстрирующим общие механизмы медиатрансформации и актуализации музыкального наследия композитора. Полученные выводы расширяют научные представления о функционировании казахстанской музыки в цифровую эпоху, внося вклад в дискуссии о культурной памяти, медиарецепции и трансформации канона.
Язык жеста в традиционной культуре исполнительства: семантика и функции
В статье рассматриваются актуальные проблемы домбрового исполнительского искусства, связанные с формированием и развитием культуры жестового языка как важного компонента художественной выразительности. Жесты анализируются как специфическая система интонационно-выразительных средств, участвующих в формировании исполнительской концепции, раскрытии темброво-звуковых нюансов и художественной содержательности музыкального произведения. Особое внимание уделяется осмыслению жеста как формы невербальной художественной коммуникации в контексте традиционного казахского инструментального исполнительства. Рассматривается природа музыкального языка как знаково-семиотической системы, включающей жестовые движения и мимику как элементы исполнительского процесса. Анализируется взаимодействие слуховых, зрительных и сенсорных факторов, влияющих на восприятие музыкального текста, процесс интонирования и эмоционально-психологическое состояние исполнителя. Методология исследования основана на междисциплинарном подходе, включающем музыковедческий, семиотический, культурологический и психофизиологический анализ. Использованы методы структурно-функционального анализа, сравнительного анализа исполнительских практик, а также элементы феноменологического и интерпретационного подходов, позволяющие рассматривать жест как многомерный феномен музыкального мышления и исполнительской деятельности. В работе затрагиваются смысловые особенности кюя, его структурная целостность и зависимость от исполнительских действий, пластики жеста и художественного мышления музыканта. Установлено, что жесты в казахской инструментальной музыке выступают не только выразительным, но и структурообразующим элементом, формирующим художественную целостность произведения. Подчеркивается важность сохранения и научного изучения языка жестов в традиционной культуре в условиях глобализации как одного из факторов сохранения национальной идентичности и преемственности исполнительских традиций. Практическая значимость исследования заключается в возможности применения полученных результатов в педагогической практике – в обучении игре на домбре, а также в курсах теории музыки и сольфеджио. Введение жестовых компонентов и учет моторно-двигательной образности способствует более глубокому освоению интонационно-ритмических структур, развитию музыкального мышления и повышению качества интерпретации, включая сложные формы посттональной музыки.
язык жестов в музыкальном исполнительстве
невербальная художественная коммуникация
Хореографическая триада Жаната Байдаралина как пластическая реконструкция культурных представлений кочевого мира
Казахский народный сценический танец продолжает древние фольклорные традиции казахского танца и входит в систему современного культурного пространства. Он играет важную роль как в нравственном, так и в художественном воспитании личности. В ревью впервые рассматривается хореографическая композиция «Ғасырлар үні» известного казахстанского и американского балетмейстера Жаната Байдаралина (род. в 1950), которая является одной из знаковых в репертуаре Государственного ансамбля народного танца «Алтынай» при Алматинской областной филармонии имени Суюнбая (Талдыкорган). Актуальность исследования обусловлена недостаточной изученностью сценических форм казахского танца второй половины XX века и творческого наследия Ж. Байдаралина, оказавшего весомое влияние на развитие современного и казахского танца в Казахстане. Автор применяет метод реконструкции через анализ хореографической лексики, сравнительно-исторический и метод эмпирического исследования, детально воссоздавая сценическую композицию и выявляя особенности ее пластического языка. Хореографическая триада «Ғасырлар үні» состоит из следующих частей: «Ғасырлар үні» на музыку Самата Мәлімбая, «Күрес» и «Шернияз» – Нургисы Тлендиева. Постановка рассматривается как сценическая реконструкция трех пластов номадической культуры: историко-мифологического (образы сакских племен), сакрально-ритуального (обряд аластау), социально-праздничного (традиции Наурыза). Пластический язык композиций основан на синтезе стилизованной лексики народного казахского танца, ритуальной символики, массовых композиционных рисунков. Таким образом, хореографическая триада Ж. Байдаралина – одна из сценических интерпретаций культурной памяти и мировоззренческих представлений кочевой цивилизации. Практическая значимость работы заключается в возможности дальнейшего изучения творческого метода хореографа в контексте национальной хореографической культуры.
От экстренной цифровизации к ИИ-ориентированным перспективам казахстанского театра: кейс «Астана Балет»
В статье рассматривается влияние экстренной цифровизации на современный казахстанский театр в контексте трансформации национальной культуры и художественных практик в период пандемии COVID-19 и в постпандемийный период. Особое внимание уделяется изменениям форм репрезентации национального театрального искусства, а также вовлечённости аудитории в условиях цифровой медиареальности. Исследовательская проблема определяется необходимостью выявить, каким образом цифровые инструменты трансформируют театральное производство, коммуникацию и культурную доступность в рамках национального культурного пространства Казахстана. Цель исследования заключается в определении механизмов воздействия цифровизации на развитие национального театра и в концептуализации роли театра «Астана Балет» как ведущей национальной институциональной модели, формирующей современные художественные и медиальные практики. Методологическая основа исследования объединяет сравнительный культурологический анализ, медиастадии и перформативные исследования. Эмпирическую базу составляют цифровые архивы, медиастатистика социальных платформ, официальная документация театра «Астана Балет», а также национальные цифровые инициативы, такие как программа «Цифровой Казахстан» и платформа AI Digital Bridge. Применённый подход позволяет проследить последовательные изменения в институциональной стратегии, зрительском восприятии и художественном языке национального театра. Результаты исследования демонстрируют целостную цифровую трансформацию казахстанского театра, проявляющуюся в прямых трансляциях спектаклей, образовательных онлайн-проектах, гибридных сценических формах и создании стриминговой платформы Theatre 360 Degrees. Особое внимание уделяется новым формам цифровой сценографии и медиальной интеграции, включая передовые видеотехнологии и формирующиеся ИИ-инструменты как часть постпандемийных цифровых траекторий, в том числе Higgsfield AI. В заключение подчёркивается, что цифровизация представляет собой долгосрочный структурный сдвиг в развитии национального театра Казахстана, оказывая влияние на культурную политику, институциональное планирование и формирование гибридных театральных форм XXI века.
Copyright (c) 2025 Saryn https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/
Сценографические модели современного казахстанского балета: типология, национальные особенности и медиапрактики
В настоящем исследовании обобщаются материалы сценографических решений балетных постановок трёх ведущих казахстанских театров – Театра «Астана Балет», Государственного театра оперы и балета «Астана Опера» и Казахского национального театра оперы и балета имени Абая – по данным 40 спектаклей сезонов 2016/17–2024/25 гг. с учётом динамики обновления репертуара и сценотехнических решений. Цель работы – выделить устойчивые типологии сценографии и показать, как они соотносятся с музыкальной драматургией. Методы исследования включают сопоставительный анализ классических, национальных и современных постановок; контент-анализ визуальных средств (декорации, костюмы, освещение, видео); картирование связей «музыкальная партитура ↔ визуальная партитура» и проверку данных по театральным программкам, пресс-релизам и рецензиям. Материалы сопоставлялись по единым критериям, фиксировались повторяющиеся приёмы. Выделены три стабильных типа сценографии: академический, этнический и мультимедийно-экспериментальный. Отмечен рост мультимедийных практик в современных балетах и их точечное внедрение в национальные постановки. Предложена универсальная «карта соответствий» ключевых музыкальных узлов и визуальных решений (экспозиция, развитие, кульминация, развязка), показывающая переход сцены от статичного фона к динамичному соучастнику действия. Новизна исследования заключается в единой типологической рамке для трёх репертуарных блоков и операционализации медиадраматургии через практико-ориентированные карты соответствий. В обсуждении акцентируется внимание на балансе между традицией и инновациями, рисках технологической избыточности, кадровых и инфраструктурных ограничениях. В заключении работы сформулированы практические шаги: раннее включение медиадраматургии в постановочный процесс, создание цифровых библиотек этнокодов (орнаменты, палитры, поведенческие пресеты света и проекций), поэтапное обновление техники и подготовка специалистов. Перспективы – расширение корпуса спектаклей, опросы аудитории и пилотирование AR/VR для гибридной модели сценографии.
Что общего у музыки и ИИ? Управляемая генеративность в мировом и казахстанском искусстве
В представленной работе исследуется вопрос, в какой мере практики искусственного интеллекта в музыке продолжают линию формализации композиторского процесса, сложившуюся в XX веке. Цель работы – обосновать понимание искусственного интеллекта не как стороннего автора, а как техники композиции, соизмеримой с историческими способами организации музыкального материала. Методологическая рамка сочетает постструктуралистскую оптику авторства (Ролан Барт, Мишель Фуко) и дихотомию рационального и чувственного начала (Александр Соколов). Аналитическая часть охватывает пять техник композиции прошлого столетия: серийность/сериализм, алеаторику, стохастику, минимализм и политехнику. Для их сопоставления фиксируются три наблюдаемые категории: алгоритмичность (степень явной процедурной заданности), генеративность (режимы порождения) и управляемость (уровни и способы контроля параметров). Проведенный анализ опирается на конкретные произведения: для серийной техники – Вариации op. 27 Антона Веберна; для управляемой алеаторики – «Музыка перемен» Джона Кейджа; для стохастики – Achorripsis Янниса Ксенакиса; для минимализма – Piano Phase Стива Райха; для политехники – опера «Ер-Тостик» Александра Маноцкова. Выявлено, что серийная техника задает максимальный уровень управляемости через заранее фиксированные операции над рядом; управляемая алеаторика встраивает случайность в систему правил; стохастика переводит случайность в стадию сочинения и калибрует ее статистически; минимализм демонстрирует генеративность из простых процедур; политехника интегрирует разнородные техники в едином процедурном ядре. Полученные результаты позволяют заключить, что современные модели искусственного интеллекта радикализуют уже присутствующие в музыкальной практике принципы (работу с правилами, вероятностными профилями и процессуальностью) и тем самым задают продуктивное поле для дальнейшей рефлексии и внедрения в академическую композиционную практику Казахстана.
Национальная традиция и современный звуковой мир в фортепианном творчестве Дилором Сайдаминовой
В статье анализируется творчество современного узбекского композитора Дилором Сайдаминовой в контексте взаимодействия национальных традиций и западноевропейской музыкальной культуры. Объект исследования – фортепианное творчество композитора, а предмет – её цикл «Диалог с Хайямом», рассматриваемый как особый художественный феномен. Актуальность работы определяется необходимостью раскрытия сложной стилевой системы композитора, которая сочетает объективные факторы (национальная школа, композиторская техника) и субъективные элементы (индивидуальный стиль, мировоззренческие установки), формируя герменевтическую концепцию произведения. Методология исследования сочетает анализ интонационно-ладовых особенностей узбекского народного мелоса с изучением современных композиторских приёмов, включая сонорику, алеаторику, пуантилизм и расширенные техники фортепианной игры. Используются сравнительно-аналитический, историко-стилевой и структурно-формальный подходы. Особое внимание уделено герменевтическому методу, позволяющему выявить символико-философские смыслы текста и понять его образное мышление, отличительную особенность всякого искусства. Исследование фокусируется на структурных, фактурных и тембровых особенностях цикла, раскрывая их символическое и эстетическое содержание, важное для художественного воплощения произведения в концертной практике молодых пианистов. В статье представлены методические рекомендации, направленные на раскрытие интерпретационной глубины сочинения Д. Сайдаминовой, а также на развитие навыков работы с нетрадиционными приёмами звукоизвлечения. Результаты исследования показывают, что фортепианный цикл «Диалог с Хайямом» представляет собой уникальный синтез традиции и новаторства, где национальная идентичность получает современное художественное прочтение в пространстве современной музыкальной мысли.
Эволюция сценических интерпретаций оперы «Кыз Жибек» Евгения Брусиловского: от традиции к современности
Статья посвящена истории сценического воплощения оперы «Кыз Жибек» Евгения Брусиловского. Актуальность исследования определяется возросшим интересом к национальной оперной классике в современной театральной практике Казахстана, обусловленным социокультурными изменениями и новациями в осуществлении постановок. Работа изучает процессы изменений в жанровой и художественной трактовке оперы. Рассматриваются как спектакли советского времени, так и более поздние версии на примере постановок 2005 года в Казахском национальном театре оперы и балета имени Абая и 2017 года в Государственном театре оперы и балета «Астана Опера». Они демонстрируют разные подходы к интерпретации «Кыз Жибек» в условиях развития музыкально-театрального творчества. Исследование основано на комплексном подходе с использованием историко-сравнительного и типологического анализа, что позволило проследить изменения в прочтении оперы в зависимости от эстетических задач и художественных ориентиров разных периодов. Особое внимание уделяется соотношению авторской концепции с современными подходами к воплощению эпического материала. Данная работа вносит вклад в осмысление сценической судьбы «Кыз Жибек» и демонстрирует, как менялось представление об этом произведении в контексте эволюции оперного искусства Казахстана. Кроме того, подчеркивается значение постановки 2017 года как этапа, объединившего сложившиеся подходы с новыми формами сценической выразительности. Исследование сценической истории оперы «Кыз Жибек» открывает перспективы для дальнейшего изучения музыкально-сценических редакций других казахских опер, отражающих процессы обновления их трактовок и зрительского восприятия. С практической точки зрения результаты работы могут быть использованы в театральной практике и музыкальной педагогике при изучении истории казахской музыки и оперного искусства.
Экспериментальные методики в казахстанской анимации: национальное как переменная эксперимента
В статье рассматривается проблема экспериментальных методик в современной казахстанской анимации. Распространенные публицистические формулы – отождествление экспериментальности с нестабильностью производственной инфраструктуры национальной анимации либо, напротив, утверждение о почти полном отсутствии экспериментальной анимации в Казахстане – оцениваются как методологически недостаточные. Выдвигается гипотеза, согласно которой в казахстанской анимации отсутствует не эксперимент как таковой, а два связанных условия его развития – устойчивая система описания, педагогической передачи и институционального закрепления экспериментальных методик и критическое освоение заимствованных визуальных моделей – от аниме-кода до фестивального формата – в собственный художественный язык. Особое место занимает вопрос национального: национальное предлагается рассматривать не как тематический «колорит», прилагаемый к готовой анимационной форме, а как переменную эксперимента – материал, изменение которого может перестраивать структуру произведения. Для анализа гипотезы вводится аналитическое разграничение трех уровней (экспериментальный прием, практика, методика) и формулируется операциональный пороговый тест из восьми критериев. На основе этой рамки анализируется институциональное поле современной казахстанской анимации, а также рассматриваются анимационные проекты «Қазақанимации» как примеры локализованного художественного поиска. Делается вывод о том, что в Казахстане сложились производственные, образовательные и фестивальные предпосылки для развития экспериментального направления, однако ключевой дефицит сохраняется не только на уровне методической институционализации, но и на уровне критического освоения внешних эстетических и индустриальных влияний. Именно на уровне методической институционализации решается, становится ли национальное переменной эксперимента, сознательно ослабляется и используется как рамка для иной темы или остается декоративной маркировкой.
Интонационный комплекс «Акку–Гакку» как механизм культурной памяти в художественных интерпретациях эпоса «Кыз Жибек»
Статья посвящена исследованию процессов формирования и трансформации интонационного архетипа «Акку–Гакку» в художественных интерпретациях эпоса «Кыз Жибек». Рассматривается длительный процесс переосмысления эпоса, в ходе которого в ХХ веке происходит сближение эпического образа Жибек с существовавшей ранее в казахской культуре символикой лебедя. Вследствие чего эпический сюжет получил воплощение в различных художественных формах: народной песне, драматургии, опере, кинематографе и инструментальной музыке. Особое внимание уделяется механизму канонизации образа лебедя, который постепенно становится одним из ключевых символов героини. Актуальность обращения к данной теме усиливается юбилейными событиями 2025 года. Материалом исследования послужили эпос «Кыз Жибек», песня «Гакку» Укили Ыбырая, опера «Кыз Жибек» Евгения Брусиловского, фильм «Кыз Жибек» Султан-Ахмета Ходжикова, кюи «Акку» Ыкыласа Дукенулы и Нургисы Тлендиева, а также песни «Гаку», «Қыз Жібек» и «Аку-кюй» из сборников Александра Затаевича. Методологическую основу составили историко-культурный и сравнительно-исторический подходы, интонационная теория Бориса Асафьева, интертекстуальный анализ и теория культурной памяти Яна Ассмана. В результате исследования установлено, что образ лебедя не является изначально заданной характеристикой эпического сюжета. Он исходит из традиции и формируется в процессе его многократных художественных переосмыслений. Данный интонационный архетип обозначается как комплекс «Аққу–Гәкку». Показано, что песня «Гакку», вобравшая предшествующие традиции, становится основой для последующих интерпретаций. Кюй «Акку» Нургисы Тлендиева рассматривается как итог многолетней эволюции интонационного архетипа, сформированного в процессе художественных прочтений эпоса. Делается вывод о том, что интонационный комплекс «Акку–Гакку» выступает важным механизмом культурной памяти и обеспечивает преемственность художественного образа Кыз Жибек в различных жанрах казахского искусства.
Мифы и рифы европоцентризма: опера «Кёроглы» Узеира Гаджибейли в зеркале западного музыкознания
В современном музыкознании прослеживается заметный исследовательский ракурс: национальный музыкальный компонент в академических жанрах рассматривается как идеологический конструкт. В статье анализируется интерпретация Марины Фроловой-Уокер творческих открытий Узеира Гаджибейли в опере «Кёроглы» сквозь призму таких явлений, как национализм, культурный колониализм, ориентализм, социалистический реализм. Отрицание ладовой специфики в «Кёроглы» – опере, опирающейся на созданную композитором современную ладовую теорию азербайджанских ладов, – легко экстраполируется на академические жанры других национальных культур, не имеющих подобных теоретических систем. Между тем транслируемый в статье Фроловой-Уокер европоцентристский подход, распространяясь в научной среде, становится методологической основой для последующих исследований. Актуальность работы продиктована необходимостью критического разбора европоцентристской методологии и обоснования недостаточности такого подхода при анализе национальных музыкальных культур. В качестве основного метода применен когнитивный подход, который на стыке музыкознания, информатики, психоакустики (концепция зонной природы музыкального слуха Николая Гарбузова) и дискурса Восток – Запад (концепция ориентализма Эдварда Саида и смыслополагания Евгения Смирнова) выходит на трансдисциплинарный уровень. В научный обиход вводятся понятия когнитивно организованного и интуитивно-эмпирического слуха как два взаимосвязанных компонента профессионального музыкального слуха. Интуитивно-эмпирический слух основан на чувственном опыте и музыкальности, а когнитивно организованный – на теоретическом понимании музыки, включая имманентные национальные теории, что подразумевает обязательную вербализацию знаний и позволяет адекватно анализировать музыкальные процессы. Интонационная сохранность азербайджанских ладов в условиях 12-ступенной равномерной темперации объясняется автором резистентностью функциональных отношений их ступеней к звуковысотным изменениям в пределах гарбузовских зон, а их «узнаваемость» в европейских жанрах – типом когнитивно организованного слуха исследователя. Показано, что ладовая система Узеира Гаджибейли представляет собой осознанный цивилизационный прорыв, обеспечивший сохранность и эволюцию национальной традиции на новом культурно-историческом этапе. Сделан вывод о необходимости применения нового метаязыка при анализе инаковой музыкальной культуры для паритетного диалога и преодоления дихотомии Восток – Запад.
музыкальный слух интуитивно-эмпирический и когнитивно организованный
Развитие скрипичного искусства Казахстана: национальное исполнительство в аспекте функций интерпретации
В данной статье рассматривается история скрипичного исполнительства в Казахстане, которая продолжает интенсивно развиваться в современной музыкальной культуре страны. Анализ национального скрипичного искусства впервые предпринимается в аспекте проявления художественных функций интерпретации. Функциональный метод представляет собой одно из распространенных направлений в музыкознании и позволяет более структурированно и подробно исследовать отдельные явления в более сложном целом. В качестве основного ориентира хронологии отечественного музыкального искусства используется периодизация, предложенная в работах Даны Жумабековой. Теоретической основой служат положения работ отечественных и зарубежных музыковедов, посвященные вопросам методики музыкального исполнительского искусства, и в частности, скрипичного исполнительства, а также работы по истории и теории музыки. Используются методы сравнительно-исторического, типологического изучения, функционального и исполнительского анализа. Материал исследования составляют аудио- и видеозаписи концертных выступлений, нотные издания, материалы периодической печати и Интернета. Основные тенденции в развитии музыкального искусства в Казахстане связаны с социально значимыми событиями, во многом определяющими функциональное своеобразие каждого исторического периода. Своеобразие потенциала художественных функций интерпретации на различных этапах также обуславливается комплексом субъективных и объективных факторов, среди которых основное значение имеют: наличие или отсутствие профессионального образования исполнителей, место и статус выступления, исполнение традиционной или академической музыки, принадлежность устной или письменной традиции, степень новизны музыкального стиля в данных исторических условиях и др. На каждом из пяти этапов исторического развития скрипичного исполнительства в Казахстане обнаруживается функциональная иерархия, в которой проявление одних функций превалирует над осуществлением других. Отмечается функциональное подобие первого («предпрофессионального») и пятого (современного) этапов, что свидетельствует о смене парадигмы развития исполнительского и в целом музыкального искусства Казахстана. Предпринятый функциональный подход позволяет углубить понимание влияния социально-политических событий страны на состояние ее искусства и культуры.
периодизация музыкального искусства в Казахстане
Традиция фламенко в «Песне любовной тоски» Мануэля де Фальи
В статье анализируется «Песня любовной тоски» из балета «Любовь-волшебница» Мануэля де Фальи – произведение, сочетающее академические композиционные приемы с фольклорными чертами фламенко. Это сочинение представляет собой уникальный пример тембровой реконструкции народной традиции в симфоническом контексте. Актуальность исследования определяется современным интересом музыкознания к вопросам музыкальной идентичности и звуковой памяти. В этом контексте тембр приобретает особое значение как средство передачи подлинного национального звучания в условиях постфольклорного сознания. Обращение де Фальи к сигирийе как глубинному канону канте хондо выходит за рамки стилизации и становится художественным актом интерпретации культурного кода. Научная новизна исследования заключается в выявлении механизмов тембровой передачи фольклорной интонации, артикуляции и ритмических структур средствами академической музыки. Впервые структура фольклорной формы рассматривается как основа академической музыкальной драматургии, а жанровые элементы, такие как йамада, ремате и маркахе, прослеживаются в оркестровке и вокальной линии. Методология включает тембровый и модально-гармонический анализ ритмической структуры и вокальной тесситуры в сопоставлении с андалузскими народными традициями. Результаты исследования демонстрируют, что «Песня любовной тоски» де Фальи представляет собой целостную, тщательно продуманную композицию, в которой тембр, ритм и форма функционируют как единая выразительная система, передающая аффективную суть канте хондо и раскрывающая новые перспективы фольклорной драматургии в академическом искусстве.
Танец на экране: хореография как средство репрезентации культурных и кросс-культурных кодов в телесериалах
В статье хореография в современных телесериалах рассматривается как репрезентативный инструмент, обеспечивающий передачу культурных и идеологических смыслов посредством выразительного художественного языка. Актуальность исследования определяется возрастающей ролью аудиовизуальной продукции в формировании культурной памяти и коллективных представлений о социальной реальности. Цель работы заключается в выявлении семиотических механизмов репрезентации личностной трансформации, социальной стратификации, культурных кодов и исторической памяти через танцевальные эпизоды. Научная новизна состоит в интерпретации хореографии как невербальной системы коммуникации, формирующей многослойное смысловое поле медиатекста. Эмпирическую базу составили телесериалы Flesh and Bone, Dance Academy и Step Up: High Water. Методологический инструментарий включает семиотический, содержательно-структурный, сравнительный и культурно-аналитический методы. Такой подход позволяет комплексно анализировать функции хореографии в драматургической структуре сериала и ее роль в построении эмоциональной связи со зрителем. Результаты исследования показывают, что хореография эффективно транслирует сложные социальные дискурсы – гендерное неравенство, расизм, творческое давление и внутреннюю борьбу личности – в художественной форме. Выявлено, что танцевальные сцены усиливают экспрессивность драматургии, создают эмоциональную глубину и расширяют коммуникативный потенциал экранного текста. Практическая значимость работы связана с возможностью использования полученных выводов при создании отечественных телепродуктов, интегрирующих элементы национальной хореографии и репрезентирующих культурные ценности для широкой аудитории.
Концепция музыкально-культурной традиции и «Музыкальный глобус» Дживани Михайлова
В рамках концепции Global Music History актуальна проблема создания новой истории музыки. В этом контексте значимым представляется опыт советского и российского музыколога, композитора и педагога Дживани Михайлова (1938–1995). Он преподавал в Московской консерватории имени П. И. Чайковского и был основателем московской школы музыкальной культурологии. Цель статьи — представить концепции известного учёного как важный исторический опыт в изучении музыкальных культур мира с позиции музыковедения. Автор применяет исторический подход, используя методы исследования в музыкальной науке, а также опирается на личный опыт общения с Дживани Михайловым. В статье представлены концепция музыкально-культурной традиции Михайлова, его система регионирования «Музыкальный глобус» и ключевые вопросы музыкальной терминологии. Музыкально-культурная традиция включала как материальные аспекты, так и систему отбора и подготовки музыкантов, а также критерии создания и оценки музыкальных текстов. Система регионирования мировой музыкальной культуры базировалась не столько на географических границах, сколько на особенностях административных структур, языках и религиозно-философских традициях. Важным фактором для Михайлова было изучение аутентичной музыкальной терминологии, сложившейся в культуре и адекватно отражающей ее особенности. Многие проблемы, затронутые в его трудах, остаются актуальными и заслуживают специального изучения.
Музыка и национальная идентичность в Центральной Европе: между Востоком и Западом
Социальные системы подвергаются трансформациям, которые, в свою очередь, меняют большинство представлений об идентичности. В прошлом это проявлялось в переходе от монархического космополитизма – основанного на иерархической гегемонии – к национальной идентичности, формируемой меньшими группами внутри больших образований. В современном мире идентичность все чаще рассматривается в рамках широких коллективных парадигм, отражающих глобальные тенденции культурной конвергенции, обмена, диалога и интеграции. В настоящем исследовании, основанном на анализе источников в междисциплинарном подходе и сочетающем музыковедение и социологию с учетом социально-культурного контекста, анализируется роль музыки как средства национального самоопределения в контексте националистических взглядов. Рассматривается, как культурные и политические изменения в Центральной Европе – особенно на территории современной Словакии – влияли на функции и значение музыки в разные исторические периоды. В статье прослеживается развитие от средневековых государственных образований через Австро-Венгерский период, создание Чехословакии, коммунистическую эпоху до обретения независимости Словакии после 1993 года. Выделены ключевые моменты, демонстрирующие влияние политических изменений на музыкальную культуру. Особое внимание в тексте уделено реакциям словацких композиторов на вызовы европейских и глобальных культурных тенденций. Позиция Словакии на символическом перекрестке Востока и Запада определяет уникальную перспективу для изучения взаимосвязи музыки, идентичности и истории региона.
Этнотерапия в казахской музыкальной традиции: звуковая среда и внутренняя гармония
Данное исследование демонстрирует уникальный оздоравливающий потенциал казахской традиционной музыки, раскрывая ее акустические, эмоциональные и символические свойства. Этнотерапия адаптирует древние музыкальные практики к современным условиям, обеспечивая эмоциональное освобождение, восстановление внутренней гармонии и укрепление культурной идентичности. Методология исследования объединяет теоретические подходы мировой музыкотерапии с эмпирическими инструментами: наблюдением, анкетированием и интервью. Анализ данных учитывает возрастные группы, мотивацию участников, эмоциональные реакции и долгосрочные эффекты, что повышает достоверность и релевантность выводов. Для создания терапевтической звуковой среды использовались тридцать традиционных инструментов различных типов – мембранофоны, идиофоны, духовые, щипковые и смычковые хордофоны (домбра, кыл-кобыз, нар-кобыз). Результаты показывают выраженное эмоциональное облегчение, усиление внутренней гармонии и укрепление связи с культурными корнями. Символика сеансов, включая образ Мирового дерева (Байтерек), отражает интегративную терапевтическую модель, основанную на казахской космологии. Исследование подчеркивает актуальность традиционных звуковых практик для современных эмоциональных потребностей и их потенциал как модели культурно укорененной поддержки, применимой в международном контексте. Таким образом, работа объединяет национальное наследие и современные методологические подходы, открывая перспективы кросс-культурного обмена и адаптации этнотерапевтических практик.
Баянные обработки казахского домбрового кюя как кросс-культурный феномен
Статья посвящена исследованию баянных обработок казахских домбровых кюев как художественного явления, формирующегося на стыке национальной традиции и европейской инструментальной культуры. Научная проблема заключается в отсутствии комплексного анализа этого жанра с позиций кросс-культурного подхода. Целью работы является выявление исторических, стилистических и исполнительских особенностей адаптации кюя на баян и осмысление ее как формы культурного диалога. Методология опирается на историко-культурный и компаративистский анализ, музыкально-теоретический разбор формы, ритмики, ладо-интонации и фактуры, а также на кросс-культурную теорию Клайда Клакхона о феноменах культурной диффузии, эволюции и необратимости. Источниковую базу составили нотные издания кюев и баянных обработок, аудио- и видеозаписи, антологии и учебные пособия казахстанских баянистов, а также труды по этномузыкологии и музыкальной педагогике. В ходе исследования установлено, что баянные обработки отражают различные уровни кросс-культурного взаимодействия: от элементарных переложений, фиксирующих исходный мелос, до виртуозных транскрипций и авторских обработок с элементами эстрадно-джазовой стилистики. Показано, что баянная практика не только сохраняет модально-интонационную природу кюя, но и преобразует ее посредством полифонизации фактуры, расширения гармонического языка и применения специфических тембровых возможностей инструмента. Научная новизна статьи заключается в применении кросс-культурной оптики к систематизации жанра и предложении типологии форм баянной обработки по степени трансформации материала. Практическая значимость работы связана с возможностью использования ее результатов в образовательных программах, исполнительской деятельности и при создании новых аранжировок на основе фольклорных образцов. Перспективы дальнейших исследований открываются в направлении сопоставления обработок казахской музыки с аналогичными процессами в культурах Центральной Азии и Восточной Европы.
Женское лицо современного искусства Казахстана (на примере деятельности фонда «Тан Шолпан»)
В современном художественном процессе Казахстана осязаемую роль играют женщины-художницы, которые через призму своего творчества раскрывают новые смыслы культурного наследия. Их работы отражают стремление к сохранению и переосмыслению традиционных ценностей в условиях глобальных изменений. Материалами настоящего исследования служат художественные произведения казахстанских художниц Международного независимого женского фонда художников «Тан Шолпан», представленные на Международной выставке «Жить, верить, любить», приуроченной к 25-летию фонда. Анализ произведений, которые экспонировались на выставке, показал, что современные казахстанские художницы активно обращаются к национальной символике, формируя новые визуальные образы и смыслы. В их работах поднимаются вопросы самобытности, роли женщины в обществе, ведется диалог настоящего с прошлым. Творческое переосмысление наследия происходит через синтез традиционных мотивов и современных техник, что способствует созданию уникальных произведений. Целью настоящего исследования является анализ творчества казахстанских женщин-художниц – членов фонда «Тан Шолпан» в процессе сохранения и интерпретации национальных культурных традиций в условиях всевозрастающей глобализации. Были использованы такие методы исследования, как визуальный и семиотический анализ, кейс-анализ, метод сравнительного анализа для выявления общих и уникальных черт в творческом подходе к созданию произведений искусства. Творчество художниц играет важную роль в процессе актуализации и сохранения культурного наследия Казахстана. Произведения участниц фонда «Тан Шолпан» представляют собой не только переосмысление национальных традиций, но и вносят определенный вклад в формирование современного языка отечественного визуального искусства. Перспективы дальнейших исследований связаны с расширением анализа других художественных направлений и инициатив казахстанских художниц.
К вопросу о региональной и родоплеменной специфике казахских ковровых изделий
Статья посвящена исследованию региональной и родоплеменной специфики казахского традиционного коврового искусства. Разнообразный материал отечественной науки позволяет констатировать, что одна из составляющих вариативности казахского ковроделия связана со сложными процессами этно- и культурогенеза. Методология исследования основана на комплексном использовании сравнительно-сопоставительного, семантического и искусствоведческого анализа материала, добытого из научных трудов, а также артефактов конца XIX – начала XX века музейных и частных коллекций. Изучены траектории исследований региональной и племенной специфики коврового искусства тюркских народов Центральной Азии, на основании чего обнаружено два основных подхода выявления доминантных идентифицируемых маркеров. Первый подход опирается на изучение гёлевой композиции как универсального кода тюркского ковра. Второй подход можно определить как «дифференцирующий», он строится на понимании социально означенной вариативности кода, выявляемого при изучении и типологизации определенных технологических приемов, композиционной структуры орнамента и колорита, наиболее предпочитаемых в ковроделии определенного племени или рода. В процессе работы, в соответствии с поставленными задачами статьи, собраны и классифицированы материалы регионального и родоплеменного содержания традиционных ковров казахов. Предварительное структурирование материалов позволило автору определить три типа казахских ковровых изделий: этнотерриториальный, родоплеменной и смешанный. В заключении представлены выводы исследования, а его результаты демонстрируют перспективность дальнейших научных поисков. Отмечено, что в изучении вопроса о специфике казахского ковроделия в аспекте этноискусствоведения, т. е. на стыке искусствоведения и этнографии, продуктивен дифференцирующий подход, в орбиту которого берутся во внимание культурные традиции, сопровождающие процессы этногенеза и, соответственно, система этнокодов и их доминантных символов.
Социальные проблемы Казахстана через призму ТикТок-мема «Ешқандай не жоқ»
В исследовании, которое посвящено анализу ТикТок-мема «Ешқандай не жоқ» («Нет никакого вот этого»)[1] в контексте цифровой культуры Казахстана, обосновывается актуальность изучения интернет-мемов как динамичного медийного феномена, способного фиксировать общественные настроения и отражать социокультурные процессы. Отмечается недостаточная разработанность данной темы в казахстанском академическом дискурсе и подчеркивается необходимость анализа структурных и семиотических особенностей мема. Методология исследования включает контент-анализ, семиотический и семантический анализ, а также когнитивно-дискурсивный подход. Контент-анализ охватывает визуальные, текстовые и аудиальные характеристики мема, включая его распространенность, структуру и динамику восприятия. Семиотический анализ направлен на выявление взаимодействия знаковых элементов и особенностей визуального оформления. Семантический анализ интерпретирует ключевые фразы мема, выявляя их многозначность и влияние на аудиторию. Когнитивно-дискурсивный анализ рассматривает комментарии пользователей как форму социального взаимодействия и инструмент коллективной интерпретации. Результаты работы демонстрируют, что мем «Ешқандай не жоқ» представляет собой многослойный медиатекст, в котором языковая абсурдность, визуальная эстетика и ритмическая структура формируют специфическую модель восприятия социальной реальности. Его популярность обусловлена сочетанием локальной культурной специфики и глобальных трендов цифровых медиа. Мем выполняет функцию общественного комментария, позволяя пользователям артикулировать коллективные настроения через игровую деконструкцию смыслов. Анализ выявляет его роль как медиатора коллективных значений, формирующего пространство для рефлексии и обсуждения актуальных социальных проблем. В статье подчеркивается значимость мема как феномена цифровой культуры, фиксирующего общественные трансформации. Отмечается его способность к адаптации и многослойной интерпретации, что расширяет границы традиционного понимания мемов как развлекательного контента. Исследование способствует развитию академического дискурса о цифровых медиа и их влиянии на общественное восприятие. Дальнейшие исследования могут быть направлены на изучение механизмов распространения мемов, их культурной адаптации и воздействия на коллективные социальные представления. [1] Перевод буквальный, смысловой или точный перевод осуществить невозможно.
Две порождающие модели музыкальной культуры Узбекистана
Две порождающие модели музыкальной культуры Узбекистана сформировались в условиях сосуществования традиционной системы, профессиональной музыки устной традиции (термин Файзуллы Кароматова) и европейского типа композиторского мышления. Опираясь на данный факт, автор в настоящем исследовании творчество современных узбекских композиторов определяет объектом, а предметом – их методы работы, сосредоточенные на взаимодействии восточной и западной музыкальных традиций. Актуальность статьи обусловлена необходимостью осмысления интеграции традиционных звуковых структур в композиторские практики, а также механизмы их трансформации. Баланс между историческим наследием и новаторскими техниками – это важное условие для современных национальных композиторских школ. Методология исследования обеспечивается концепциями музыкальных инвариантов и порождающих систем. На основе этого анализируются структурные и композиционные принципы макома и катта ашула, а также их адаптации композиторами в симфоническом жанре. Применяются историко-стилевой и сравнительный методы. Базисные вопросы, затрагиваемые в работе, касаются эволюции национальной узбекской композиторской школы. Первые эксперименты, начатые во второй половине XX века, характеризуются цитированием макомного материала, а также появлением более сложных форм его синтеза с западными музыкальными школами. Примеры творчества композиторов Рустама Абдуллаева, Мирсадыка Таджиева, Жахонгира Шукура демонстрируются в качестве различных стратегий интеграции традиционных музыкальных элементов в авторские произведения. В результате проведенного исследования можно утверждать, что современная узбекская музыкальная культура представляет собой достаточно динамичную креативную систему, где принципы профессиональной музыки устной традиции формируют новые полифонические структуры, расширение нотации, тембровые решения. Таким образом, практическая значимость настоящей работы позволит применять описанные в исследовании принципы в композиторском образовании и технике, а также в исполнительской практике. Помимо этого, продуктивно будет и дальнейшее изучение механизмов взаимодействия узбекских музыкальных традиций в глобальном контексте.
Дворец великого князя Николая Константиновича: история строительства, особенности планировки и стилистики
Настоящая статья посвящена истории строительства, а также особенностям планировки и стилистики ташкентского дворца великого князя Николая Константиновича. Дворец, построенный для него в столице Туркестана, сохранился до наших дней и сегодня является одним из интереснейших памятников архитектуры Ташкента. В силу того, что великий князь жил в Туркестане под постоянным надзором специальных органов опеки и многие дела его были засекречены, некоторые аспекты его жизни до сих пор остаются малоизученными. Сказанное в полной мере относится к его ташкентскому дворцу. До сих пор исследователи расходятся во мнениях относительно времени его строительства, авторства его архитектурного проекта, его стилистической характеристики. Планировка дворца, исторический облик его интерьеров и функционал помещений изучены еще в меньшей степени. В статье вводится в научный оборот ряд архивных документов из государственных архивов Узбекистана и России, позволяющих ответить на часть этих вопросов и дать ключ к пониманию других. Процесс согласования и даты строительства, равно как и автор первого проекта дворца, раскрываются в переписке опеки над великим князем и в его собственных письмах. Анализ исходного проекта дворца и творческого метода его автора, а также использованных им в процессе проектирования изданий по архитектуре позволяют сделать ряд выводов о стилистике здания, о функционале и облике его наиболее ярких интерьеров. Статья суммирует результаты первой стадии продолжающегося исследования дворца как исторического и архитектурного памятника.
Казахские домбры Аркинского региона в прошлом и настоящем: опыт изучения
Домбра – двухструнный щипковый хордофон, широко распространенный в традиционной музыкальной культуре региона Арка (Центральный Казахстан). В этом регионе доминирует стиль шертпе с развитой мелодикой, свободной ритмикой и выразительным звуковым многообразием. В исследовании впервые проведен сравнительный анализ домбр, использовавшихся традиционными кюйши конца XIX – начала XX века (Абди Рысбекулы, Сембек Айдосулы), с инструментами современных исполнителей (Даулетбек Садуакасов, Калкен Касымов). Статья основана на материалах, собранных в Карагандинской области, и направлена на выявление преемственности и трансформаций в морфологии и эргологии инструмента с описанием современных образцов и сравнением формы, материала, количества ладовых перевязей и качества струн. Исследование опирается на комплексный методологический подход, включая сравнительно-типологический, сравнительно-исторический и системно-этнофонический (Игорь Мациевский) методы. Эмпирическую базу составляют интервью с мастерами Калкеном Касымовым (р. 1949) и Ердосом Рахимбековым (р. 1976), а также материалы фольклорно-этнографических экспедиций (Караганда, август 2023, июль 2024). Сравнительный анализ инструментов выявил различия в их морфологии: зафиксированы формы – трапециевидная, грушевидная и округлая, а также вариативность в количестве ладков (от 12 до 14). Домбры Сембека, Даулетбека и Калкена близки по форме и объему корпуса. Популярность трапециевидной формы (домбры калак) в исследуемом регионе, по-видимому, связана с удобством положения правой руки на боковых частях корпуса, а также особенностями штриховой техники. Результаты показывают, что аркинская домбровая школа связана с распространением трапециевидной домбры калак, оптимальной для техники шертпе и устойчивого звукоизвлечения. Современные модели подвергаются конструктивным изменениям, адаптируясь к сценическим требованиям. Домбры калак, изготовленные мастерами Калкеном Касымовым и Даулетбеком Садуакасовым, широко применяются на практике и сохраняют этноорганологическое наследие, играя важную роль в исполнении шертпе-кюев.
Особенности трактовки цикла в мировой и казахстанской фортепианной музыке для детей
В центре внимания статьи – фортепианные циклы для детей как область композиторского творчества, обладающая специфическими свойствами, обусловленными направленностью на детское восприятие и исполнение. Актуальность темы определяется значимостью и большим удельным весом таких циклических фортепианных произведений в концертно-педагогической практике при том, что специальные теоретические исследования, рассматривающие особенности композиторской трактовки детских циклов в широком культурно-историческом дискурсе, до сих пор не предпринимались. В качестве материала исследования привлечены как известные в мировой музыке фортепианные циклы для детей Роберта Шумана, Петра Чайковского, Ференца Листа, Софии Губайдулиной, так и не изучавшиеся произведения казахстанских композиторов, в творчестве которых это направление представлено достаточно широко и разнообразно. Изучение специфики трактовки детского фортепианного цикла в статье основывается на музыкально-историческом и музыкально-теоретическом подходах, сравнительном анализе, позволивших выявить ключевые особенности художественного выражения и структурные закономерности детских фортепианных циклов. Предпринятый историко-культурный обзор изучаемого творческого явления от барокко до наших дней позволил выявить важность периода романтизма в эволюции детского фортепианного цикла, когда рождаются произведения, обладающие ярко выраженными индивидуально-авторскими чертами. Используя литературоведческую терминологию, авторы исследования предлагают обозначать их «авторскими» циклами, для которых свойственны наличие сквозной идеи, внутренние смысловые связи между частями, тенденции к жанровому переосмыслению. В работе показано, что музыкальная практика ХХ – первой четверти XXI столетия развивает эту романтическую традицию и предлагает многообразие «авторских» вариантов видения детского фортепианного цикла как концептуального целого. Наряду с этим новое время приносит в фортепианную музыку для детей важные изменения, связанные с переосмыслением и расширением композиционных техник, включением дополнительных, вкладываемых композиторами смысловых функций, отражающихся на трактовке цикла. В современном композиторском творчестве детские циклы преодолевают узкие рамки дидактической направленности и нередко решают просветительские задачи, трансформируясь в средство идеологического воспитания подрастающего поколения. Результаты работы подчеркивают универсальность, многофункциональность и большое разнообразие детских фортепианных циклов, а также необходимость дальнейшего их изучения с привлечением новых музыкальных композиций, принадлежащих разным национальным культурам. Это позволит не только углубить теоретическое понимание рассматриваемого феномена, но и обогатить концертный и педагогический репертуар новыми произведениями.
Органное искусство Казахстана в 1975–1999 годы: история, органология и исполнительская практика
Орган, несмотря на преобладание современных творческих экспериментов, продолжает привлекать внимание как профессиональных музыкантов, так и любителей музыки. Органное искусство предлагает уникальный опыт, сохраняя свое значение в музыкальной культуре современного Казахстана. Три компонента национального органного искусства – органология, композиторская деятельность и исполнительство – ранее не рассматривались в рамках единой культурно-исторической парадигмы и не подвергались комплексному научному анализу и глубокому художественному осмыслению. Становление и развитие органной школы Казахстана включает в себя три этапа (1967–1974, 1975–1999, 2000 – по настоящее время). В данной статье подробно рассматривается второй этап (1975–1999) развития органной культуры в республике. Особое внимание уделяется эволюции казахстанской органной школы, классификации существующих музыкальных инструментов с позиций их строения, а также исследованию органного репертуара национальных композиторов с учетом многообразия жанров и стилевых закономерностей. Процесс интеграции органного искусства в казахскую музыкальную культуру требовал особого подхода, так как национальная музыка исторически была ориентирована на инструменты с совершенно иным звучанием, такие как домбра, кобыз и жетыген. В этой связи отечественные композиторы стремились создать оригинальные органные произведения, объединяющие европейское полифоническое письмо с мелодическими и ритмическими структурами, характерными для казахской народной музыки и ее инструментария. Для решения обозначенного круга проблем в исследовании определяющей стала методология, включающая исторический, аналитический и жанрово-стилевой методы, обобщение архивных данных. Предпринят комплексный подход к обобщению пройденного органной культурой пути в ХХ столетии во всем многообразии важнейших тенденций и течений. Актуальность исследования обусловлена не только редкостью подобных работ в контексте избранного региона, но и неизменным интересом к органному наследию как элементу межкультурного диалога. Материал статьи определяется возможностью применения полученных выводов и результатов в научных исследованиях по истории органного исполнительства, инструментоведению, истории казахской музыки, а также в творческой деятельности исполнителей и композиторов Казахстана.
Copyright (c) 2024 Saryn https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/